Was ist Mid-Century Modern Design?

Zu sagen, dass die Moderne aus der Mitte des Jahrhunderts ein Revival erlebt hat, wäre eine ernsthafte Untertreibung. Es hat einen so großen Anklang gefunden, dass es als das "Pumpkin Spice Latte von Design," mit dem überall verkauften Stil von Design Within Reach bis Ziel. Es ist überall, und aus diesem Grund kann die Bedeutung des Begriffs etwas verwässert werden. Was ist heute noch Mitte des Jahrhunderts modern?! Und was macht es wirklich so aus? Lassen Sie uns untersuchen.

Es blickt zurück in die Zukunft.

Auf der grundlegendsten Ebene sind moderne Designs aus der Mitte des Jahrhunderts dafür bekannt, schlanke Linien gegenüberzustellen (denken Sie: dünn, peg Beine auf Kommoden und Tischen) mit organischen Formen, unter Verwendung neuer Materialien und Methoden, um das Traditionelle neu zu interpretieren Stücke. Die Looks waren futuristisch, aber sie waren keine völlige Abkehr von der Vergangenheit. Frances Ambler, Autorin von

Mid-Century Modern: Ikonen des Designs, nennt einige Beispiele: Der kräftige englische Clubsessel wurde in den eleganten Eames Lounger aus Leder und Sperrholz verwandelt, während Poul Henningsens Artichoke Lamp eine Neukonfiguration eines Kronleuchters war.

Es machte Designer zu Ikonen.

Die Moderne aus der Mitte des Jahrhunderts entwickelte sich wie jede andere Ära des Designs. Die Weltausstellung 1939 in New York City hatte die geometrischen Formen und klaren Linien des Bauhauses und der dänischen Moderne gebracht Bewegungen in das amerikanische Bewusstsein, aber der Stil nahm erst in den späten 1940er Jahren wirklich Gestalt an und dauerte lange an 1960er Jahre. Zu dieser Zeit drehte sich im amerikanischen Stil alles darum, die Zukunft zu umarmen. Es war die Ära von Sputnik, von Astronauten, die ins All rasten, von der Eisenhower-Administration, die den Kennedys von Camelot wich, von den Zwielichtzone und der Jetsons.

Studium der Kernphysik, Molekularchemie sowie eine wachsende Besessenheit von Science-Fiction all spielte in die futuristischen Formen und Materialien ein, die in allem zu sehen sind, von Möbeln bis hin zu Vorstadthäusern und Wolkenkratzer. Und eine boomende Nachkriegswirtschaft führte zu einem rasanten Anstieg des Eigenheimbesitzes, was zu einem Anstieg des Baus kleinerer Häuser und Wohnungen führte. Als der amerikanische Traum für die Mittelschicht immer mehr Realität wurde, haben Designer und Architekten daran geschärft auf ihre populistische Botschaft: Design soll nicht nur schön konstruiert, funktional und effizient sein, aber erreichbar.

Und während dieser Zeit wurde eine Crew brillanter Bildhauer und Architekten zu Designikonen, die mit den Möbeln den Stil prägten Sie haben für Marken wie Herman Miller und Knoll kreiert: Eero Saarinen, George Nelson, Charles Eames, Harry Bertoia und Isamu Noguchi.

Neue Materialien formten neue Designs.

Da gebogenes Sperrholz, Glasfaser, Schaumstoff, Aluminium, Stahl und Kunststofflaminate alle formbar waren, konnte Eero Saarinen die abgerundete Konturen und Sockel für den Tulip-Stuhl und den Tisch, den er 1956 entwarf, und Eero Aarnio, um seinen futuristisch anmutenden Ball Chair zu formen 1965. Aber anstatt die industriellen Materialien mit Watte und Stoffen zu bedecken, „haben sie nie versucht, es als etwas anderes zu tarnen“, bemerkt Frances. „Ein Sperrholzstuhl zum Beispiel feierte die Formen, die mit dem Material geschaffen werden konnten, und der elegante Esszimmerstuhl von Warren Platner macht keinen Hehl daraus, dass er aus Stahlstangen besteht.“

Manchmal spielten Designer auch mit Farben – die erdigen Farbtöne der 1950er Jahre wichen schließlich helleren, gesättigteren Farben, als das Space Age und die Pop Art ins Spiel kamen.

Zwei Ansätze haben es in der Geschichte der Popkultur verankert.

Während einige Leute argumentieren, dass die Moderne aus der Mitte des Jahrhunderts eher zu einem Begriff für modernes Design geworden ist, allgemeiner als ein spezifisches Aussehen, kann ein Teil des Kampfes, es zu definieren, daraus resultieren, wie breit gefächert die Stil ist. Ein Teil davon ist auf die zwei divergierenden (aber sich ergänzenden) Richtungen zurückzuführen, die die Dinge eingeschlagen haben.

In den USA ansässige Modernisten liebten industrielle Materialien und die Effizienz der Massenproduktion, während ihre Kollegen in Skandinavien (die Soft Modernists) der langjährigen Tradition der Herstellung ihrer Stühle und Tische aus natürlichen Elementen wie Holz und Leder verschrieben, wobei das Handgemachte dem Mechanischen vorgezogen wird Prozesse. Das Ergebnis waren exquisit gefertigte Stücke, die für ihre Qualität ebenso gefeiert wurden wie für ihre vereinfachte, moderne Formen – denken Sie an Hans Wegners Wishbone Chair oder Alvar Aaltos sanft geschwungene Birke und Buche Holzstuhl.

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Die Ästhetik hielt auch in der Architektur Einzug.

Fortschritte bei Konstruktionsmethoden und Materialien ermöglichten es Richard Neutra, Philip Johnson und Pierre Koenig, um die vereinfachten langen und niedrigen Flachdachhäuser zu schaffen, die dies definieren Zeitraum. Grundrisse wurden mit Blick auf einen organischen Fluss und Mehrzweckräume erstellt, wobei ein Raum scheinbar mit dem anderen verschmolzen ist. Viele Architekten bauten auch Split-Level-Häuser, die mehrere Stockwerke ermöglichten, während die horizontalen Ebenen beibehalten wurden.

Wie bei Möbeln waren auch bei diesen Gebäuden die Materialien selbst ein Schlüsselelement – ​​Steinkamine, die sich ausdehnten in die Wände waren in Wohnzimmern ein alltäglicher Anblick, während Terrazzoböden und Holzdielendecken verliefen hindurch. Dies war eine klare Fortführung des Bauhaus-Gedankens von Gesamtkunstwerk: verschiedene Elemente oder Materialien, die zusammenkommen, um eine einzige Einheit zu bilden.

Auch bei der Gestaltung von Häusern wurde natürliches Licht immer wichtiger. Die Architekten haben den typischen 3-Fuß-mal 5-Fuß-Fensterrahmen für riesige Glaswände und Schiebetüren aufgegeben und die Natur effektiv hereingebracht. Obwohl es in Kalifornien aufgrund des gemäßigten Klimas des Staates definitiv häufiger vorkommt, finden sich Beispiele für diesen Stil im ganzen Land, von den Vororten von Chicago bis New Canaan, Connecticut.

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Die Popularität von Mid-Century Modern hat im Laufe der Zeit zugenommen.

Viele der genauen Stücke, die in den 1950er und 60er Jahren entstanden sind, werden auch heute noch von Unternehmen wie Design Within Reach, Herman Miller und Knoll reproduziert. In einigen Fällen sind sie heute sogar noch beliebter als vor 60 Jahren. Sogar moderne Einzelhändler wie West Elm erfinden Mid-Century-Styles neu. Wie sind diese Designs im Laufe der Jahre so widerstandsfähig gewesen? „Sie wurden für eine Lebensweise entworfen, die im Wesentlichen immer noch unsere Lebensweise ist: Wir wollen Stühle zum Einrollen, Tonnen von Stauraum, tragbare Teile – alles in kleinerem Maßstab“, bemerkt Frances.

Angesichts der vielen Millennials, die in Großstädten strömen und in Briefmarkenwohnungen leben, sollte dies keine Überraschung sein. Cara Greenberg – die buchstäblich das Buch über die Mid-Century Modern geschrieben hat und die den Begriff geprägt hat – stimmt dem zu: „Es scheint jede aufstrebende Generation junger Menschen aufs Neue anzusprechen. Das Mid-Century-Design wurde seitdem von keiner anderen Bewegung übertroffen, so dass es der Stil unserer eigenen Zeit bleibt, nicht einer antiken Vergangenheit. Und es sieht immer noch cool aus!“

Klar ist, dass die Mid-Century Modern nach wie vor Teil des aktuellen Zeitgeists ist, wie die Popularität von Verrückte Männer oder die unzähligen Filme, Anzeigen und Zeitschriftenstrecken, die in Koenigs Stahl House mit Blick auf Los Angeles oder David Nettos von Neutra entworfenem Haus in Silver Lake gedreht wurden.

Vielleicht, obwohl wir uns im Zeitalter von iPhones und Drohnen befinden (was für eine Zeit, um am Leben zu sein!), die anhaltende Anziehungskraft und Popularität der Mitte des Jahrhunderts moderne Lügen in der Fähigkeit, uns gleichzeitig in die Vergangenheit zu versetzen und uns gleichzeitig dazu zu bringen, von den unendlichen Möglichkeiten der Welt zu träumen Zukunft.

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