Das sind alle Farrow & Ball Paint Farben im neuen MoMA

Besucher des kürzlich neu gestalteten Museum of Modern Art in New York werden überrascht sein, dass nicht treffen Sie auf eine Reihe von Galerien mit weißen Wänden, die Kunst nach Zeitabschnitt und Stil gruppiert zeigen. Tatsächlich begann das Museum seine kürzliche Renovierung mit einem Gespräch darüber, wie man traditionelle Darstellungsweisen durchbrechen kann. "Nur weil die Dinge schon lange auf eine bestimmte Art und Weise gelaufen sind, heißt das nicht, dass dies der einzige oder sogar der beste Weg ist, sie zu tun." Sarah Suzuki, sagt der Kurator für Zeichnungen und Drucke des MoMA über das neue Ausstellungslayout. Gemeinsam versuchten die Kuratoren und das Designteam des Museums, sich didaktischen Kategorisierungen (d. h. linearen Chronologien und Medium-by-Medium-Unterteilungen) und stattdessen abstrakten Ideen zu erlauben, die Erzählungen jedes einzelnen zu formen Galerie. Eine große Art und Weise haben sie dies getan? Farbe. Und nein, wir meinen nicht auf Leinwänden.

Weil Farbe spielt für unsere visuelle Erfahrung – insbesondere im Kunstkontext – eine so zentrale Rolle, dass die Farbe Die Farbauswahl wurde zum Lebenselixier der Renovierung und prägte die innovativen Galerien im gesamten Museum. Auf einer privaten Tour durch die neuen Galerien, Haus schön Erfahren Sie mehr darüber, wie das Kreativteam des Museums die Farben von Farrow & Ball verwendet hat, um die Art und Weise zu revolutionieren, wie wir sehen, fühlen und mit den einflussreichsten und ergreifendsten der Welt interagieren Kunst.

Innovatoren des 19. Jahrhunderts

Es ist sofort klar, dass Sie hier keine klassische weiße Galeriebox finden werden. Wenn sich der fünfte Stock in die impressionistische Galerie öffnet, werden Sie stattdessen eine hellgraue Farbe bemerken: Elephant's Breath. Die Designer und Kuratoren sagen uns, dass sie diese Kulisse gewählt haben, weil sie für sich steht und selbst hinter einem Meisterwerk wie dem von Vincent van Gough steht Sternenklare Nacht und dabei immer noch sanft genug mit den weicheren, häuslicheren Werken von Mary Cassatt. "Elefantenatem hilft, die Werke zu verbessern, anstatt sie nur vor einen weißen Hintergrund zu stellen wo sie nicht wirklich miteinander sprechen", erklärt Lana Hum, Designdirektorin des MoMA und Ausstellung.

Frühe Fotografie und Film

Direkt neben der Impressionist-Galerie befindet sich eine subversive Interpretation des traditionellen Black-Box-Theaters mit einem tiefen, emotional aufgeladenen Auberginenton: Farrow & Ball's Pelt. "Wenn Elephant's Breath die White Box aufbrechen würde, brechen wir hier die Black Box auf", sagt Suzuki. Auch hier fungiert die Farbe anstelle der Standardauswahl als Kunst selbst und bereichert und verbindet die Ausstellungen. Insbesondere bringt es die Sepia-Töne eines Films von 1906 sowie die in den umliegenden Mixed-Media- und Fotografie-Stücken hervor, die sich zu dieser Zeit ebenfalls weiterentwickelten. Sowohl visuell als auch thematisch spiegelt Pelt die rasante Entwicklung der Technik neben den impressionistischen Gemälden wider – jetzt sprechen sie zusammenhängend miteinander. „Wir wollten die Idee auflösen, dass Film nur in einer Blackbox zu sehen ist“, wiederholt Hum und fügt hinzu: "die neuen LED-Leuchten sind viel raffinierter mit viel mehr Lichtstufen und Verbreitung."

Rund um Les Demoiselles d’Avignon

In dieser Galerie stehen Künstler unterschiedlicher Herkunft und Medien im Gespräch, wieder einmal gegen Elephant Breath. Die Augen der Besucher werden sofort von Pablo Picassos kubistischem Hauptwerk angezogen Les Demoiselles d’Avignon, das den Ton für die anderen bahnbrechenden ausgestellten Werke angibt, aus Faith Ringgolds Rassenkrawall zu den Skulpturen von Louise Bourgeois. Sie spiegeln jeweils die verschiedenen formalen und thematischen Neuerungen von Les Demoiselles d’Avignon wider. Und, Fun Fact: Ringgold tauchte früher mit Picasso in das MoMa ein und sprach über seinen direkten Einfluss auf ihre eigene Arbeit.

Künstlerbücher und Drucke in Russland

Im gesamten Museum fungieren Malfarben auch als Unterbrechungen im gesamten Raum (wo Zwischenspiele und Vorräume sind in Skimmed Stone bemalt), damit sich ein Besuch nicht wie ein endloser Marsch durch ein Labyrinth aus gleißendem Weiß anfühlt Galerien. Dieser Raum zum Beispiel ist ein kleiner, intimerer Einblick in die hausgemachten Bücher und Drucke russischer Avantgarde-Künstler während und nach dem Ersten Weltkrieg. Sie entschieden sich für Serge, ein tiefes, tiefes Blau, um eine winkelähnliche Umgebung zu schaffen.

Florine Stettheimer und Company

Während die Kuratoren über Pläne für diesen skurrileren, üppigeren und dekorativeren Raum, in dem Florine Stettheimers Arbeiten hängen, nachdachten, saßen die Kuratoren in einem großen Raum und tauschten Ideen über die Stimmung aus. Ein Designer beschrieb die Wunschfarbe "als ob Blau erröten könnte". Ihre Auswahl? Farrow & Ball's Cabbage White, ein Weiß mit einer Tönung – oder Rouge – von grünlich-blau.

Claude Monets Seerosen

Die Kuratoren wussten, dass sich dieser Raum immersiv und umhüllend anfühlen musste, aber jede Farbe, mit der sie experimentierten, fühlte sich zu undurchsichtig an. Das heißt, bis sie Wevet fanden, das strahlend, fast leuchtend ist. „Wevet ist fast keine Farbe. Es scheint Licht zu beschwören. Es fängt das Licht tatsächlich ein und ist der beste Ausdruck des sonnengesprenkelten Lichts in Giverny", erklärt Hum. Wie bei allen Farrow & Ball-Farben scheint sich die Natur der Farbe anzupassen und zu verändern, um sich ihrer Umgebung anzupassen. Die Dielen sind in diesem Raum auch breiter, um die Bewegung im gesamten Raum zu orchestrieren und den Besucher in die Warteschlange zu stellen, damit er weiß, dass er im Raum ist ein besonderer Ort, "als ob man einen intimen Moment mit einem alten Freund hat, sich aber trotzdem offen genug fühlt und Bewegung hat", bemerkt Suzuki.

Eine surrealistische Kunstgeschichte

Die Surrealismus-Galerie erinnert an ein Labyrinth, in den Ecken versteckte Überraschungsinszenierungen und unterschiedliche Medien, die sich gegenseitig verstärken. Diese Struktur ist keineswegs zufällig, sondern spiegelt die Konzepte und Ideen wider, mit denen im Surrealismus gerungen wird. Es lädt zum Entdecken ein und ermutigt den Auftraggeber, das Gefühl zu akzeptieren, ein wenig "abgefallen" zu sein, fast so, als ob er das Unbehagen der Unwirklichkeit erbt, das im Kunstwerk zum Ausdruck kommt. Das Sulking Room Pink von Farrow & Ball (aus der neuesten Kollektion der Marke) bildet die perfekte Kulisse und wird durch die stimmungsvolle Beleuchtung noch verstärkt.

Reaktion auf Krieg

Und hier sind wir und beenden unseren virtuellen Rundgang durch den fünften Stock des MoMA mit einer düsteren Note mit der Galerie zum Thema Krieg. Der Gang durch die Galerien im fünften Stock soll den Aufbau eines Crescendo konzertieren, das hier seinen Höhepunkt erreicht. Der Raum beherbergt eine Mischung aus allegorischen Werken und einigen, die sich viszeraler anfühlen, wie Skulpturen. Die Design- und Kuratorenteams verwendeten anfangs eine andere Farbe, hielten diese jedoch für nicht richtig und haben sie in letzter Minute mit Mole's Breath neu gestrichen. Dieser Graubraunton ist unbestreitbar mürrisch und bringt Gewicht in den Raum. Es erinnert an die rauchige Aggression und Gewalt des Schlachtfeldes und repliziert effektiv die Schwere des Krieges, der in der Kunstwerke, von Werken von José Clemente Orozco und David Alfaro Siqueiros bis hin zu Picassos Reaktion auf die Schrecken des Zweiten Weltkriegs in Das Beinhaus.

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