Warum wir Design dekolonisieren müssen

Wann Malene Barnett besuchte eine Designschule und hoffte, Designgeschichte und Einflüsse aus der ganzen Welt zu erkunden. Aber schnell wurde klar, dass das einzige, was auf dem Lehrplan stand, eurozentrisches Design war.

„Bei meiner Arbeit drehte sich alles um die Black-Erfahrung und ich wollte mich nicht mit dem zufriedengeben, was angeboten wurde“, sagt Barnett. Also beschloss sie, sich auf Symbole, Textilien, Techniken und Kunsthandwerk aus Afrika zu konzentrieren, dem Kontinent, auf dem alles Leben begann.

Das südafrikanische Ndebele Colorblocking inspirierte ihr Schreibwarenprojekt. Sie gewann einen Teppichdesignpreis für ihren Teppich, der ein afrikanisches Volksmärchen darstellte. Für ihr Geschirrmuster war ihr „Kunde“ Ghanas Ashanti-Königsfamilie. Einige Professoren haben es verstanden, andere nicht, aber sie bestand darauf. „Ich war mir meiner Stimme und meiner Vision sehr klar und ich war zuversichtlich“, sagt Barnett. Sie schloss ihr Studium mit Auszeichnung ab und gewann die Abteilungsmedaille.

Jetzt als gefeierter Keramiker, Maler und Textilkünstler möchte Barnett anderen Designern helfen, ihr Designdenken zu "entkolonialisieren", um Menschen, Designprozesse, Materialien und Methoden aus der ganzen Welt einzubeziehen. Hier ist, was sie vorschlägt.

Etiketten loswerden

Worte sind nur Worte, aber sie bestimmen, wie wir denken und was wir schätzen. „Warum denkt man nur an die Arbeit der Black and Brown-Leute, in die sie hineingesteckt werden? Bohenmian-Stammes-ethnisch?“ fragt Barnett. Dito für „primitiv“, ein erniedrigender Begriff, der selten auf die Arbeit weißer Menschen angewendet wird. „Diese Worte allein sind keine schlechten Worte, aber weiße Menschen haben diese Trennung zwischen dem, was hoch und niedrig ist, und dem, was man anstreben sollte, geschaffen“, sagt sie. "Sie haben die Autorität übernommen, zu entscheiden, was in oder außerhalb ist, wenn sie über die Arbeit von Schwarzen und Braunen sprechen."

Designkategorien abschaffen

Wir kategorisieren das Dekor oft als moderne oder traditionelle Ästhetik. Die Eames und Eero Saarinen sind Ikonen der Mid-Century-Moderne. Aber wussten Sie, dass Sie in Mexiko modernistisches Design finden können? Pedro Ramírez Vázquez. Oder betrachten Sie den britisch-ghanaischen Architekten David Adjaye, am besten bekannt für das National Museum of African American History and Culture. Und beschwört „traditionell“ Chesterfield-Sofas, Ohrensessel und andere europäische Insignien des 18. und 19. Jahrhunderts herauf? Lacy Bamileke Tische, aus einem einzigen Baumstamm geschnitzt, sind seit Jahrhunderten traditionelle Wahl für kamerunische Herrscher - was könnte "klassischer" sein als das? Sich von herkömmlichen Kategorien zu befreien, ermöglicht mehr Kreativität.

Erweitern Sie Ihre Referenzen

Es ist selbstverständlich, Design in Bezug auf bekannte Künstler wie Picasso, Monet oder Van Gogh zu definieren. Barnett fordert Designer auf, sich auch über Künstler außerhalb Europas weiterzubilden. Gehen Sie tiefer mit Henry Ossawa Tanner, der erste gefeierte schwarze amerikanische Maler, der sich auf religiöse Kunst und Szenen des täglichen Lebens spezialisiert hat; Romare Bearden, dessen Werk abstrakten Expressionismus und Kubismus umfasste; Elizabeth Catlett, ein Bildhauer und Grafiker aus der Harlem-Renaissance.

Reise an einen neuen Ort

Ausflüge zu machen, um zu sehen, wo Möbel oder Stoffe hergestellt werden, ist ein wesentlicher Bestandteil des Lernens über Design und der Gestaltung von Innenräumen mit Bedeutung. Aber wenn Sie Ihren Reisepass schnappen, wohin gehen Sie? Es macht Spaß, nach Paris oder in die Toskana zu fliegen, aber viele Designer sind nicht so daran interessiert, nach Dakar, Kingston, Jamaika oder Guyana zu reisen. „Das ist ein Verlust, vor allem, weil sie die Menschen, die Kultur und den Lebensstil nicht verstehen“, sagt Barnett. Und obwohl es in Ordnung ist, das zu schätzen, was Sie im Ausland sehen, komm nicht zurück und "interpretiere" diese Designs in Ihre eigene Arbeit (stattdessen bemühen, direkt zu unterstützen die Menschen, die diese Arbeit erstellen).

Erfahren Sie, wie Dinge gemacht werden

Viele Leute glauben, dass in Italien hergestellte Textilien denen aus Indien oder Ghana überlegen sind, aber das ändert sich, wenn man sich mit der Herstellung befasst. „Wenn es um Innenräume geht, wird unsere Kultur als Akzent verwendet, aber Designer wissen nichts über die Bambara“, sagt sie. Echte afrikanische Textilien, von Schlammtuch über Kente bis hin zu Kuba-Tuch, entstehen durch aufwendige Webprozesse. Für Schlammstoffe weben die Bambara-Männer aus Mali Stoffstreifen, nähen die Streifen zusammen und färben sie in fermentiertem Schlamm. Es ist normalerweise schwarz-weiß, aber sie machen auch eine wunderschöne Indigo-Version. „Man kann die Kultur nicht von den Menschen trennen“, sagt Barnett. „Wir müssen wieder zum Verständnis der Kultur, der Menschen und der Urheber zurückkehren. Das ist Teil der Dekolonisierung dieses Designprozesses. Sobald Sie diese fünf Dinge tun, haben Sie eine neue Leinwand und Ihr kreativer Prozess wird sich ständig weiterentwickeln."

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Maria C. Hunt ist Journalistin in Oakland, wo sie über Design, Essen, Wein und Wellness schreibt. Folge ihr auf Instagram @thebubblegirl.

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