Estos son todos los colores de pintura de Farrow & Ball en el nuevo MoMA

Los visitantes del recientemente rediseñado Museo de Arte Moderno de Nueva York podrían sorprenderse al no encontrará una serie de galerías de paredes blancas que muestran arte agrupado por período de tiempo y estilo. De hecho, el museo comenzó su reciente renovación con una conversación sobre cómo trastocar los modos tradicionales de representación. "El hecho de que las cosas hayan sido de cierta manera durante mucho tiempo no significa que esa sea la única manera, o incluso la mejor, de hacerlas". Sarah Suzuki, Comenta el comisario de dibujos y grabados del MoMA sobre el nuevo diseño de la exposición. Trabajando juntos, los curadores del museo y el equipo de diseño intentaron desafiar los modos didácticos de categorización (es decir, lineal cronologías y divisiones medio por medio) y, en cambio, permitir que las ideas abstractas den forma a las narrativas de cada galería. ¿Una gran forma en que lo hicieron? Pintura. Y no, no nos referimos a lienzos.

Porque color juega un papel tan fundamental en nuestra experiencia visual, particularmente en el contexto del arte, la pintura La selección de colores se convirtió en el elemento vital de la renovación, dando forma a las innovadoras galerías en todo el museo. En un recorrido privado por las nuevas galerías, Casa Hermosa aprendió más sobre cómo el equipo creativo del museo utilizó los colores de pintura Farrow & Ball para revolucionar la forma en que vemos, sentimos e interactuamos con los más influyentes y conmovedores del mundo Arte.

Innovadores del siglo XIX

Está claro de inmediato que aquí no encontrará un cuadro de galería blanco clásico. Cuando el quinto piso se abre a la galería Impresionista, notará un color de pintura gris claro en su lugar: Aliento de elefante. Los diseñadores y curadores nos dicen que eligieron este telón de fondo porque se mantiene en su propio terreno y avala incluso detrás de una obra maestra como la de Vincent van Gough. Noche estrellada sin dejar de ser lo suficientemente amable con los trabajos más suaves y domésticos de Mary Cassatt. "El aliento de los elefantes ayuda a realzar las obras en lugar de simplemente ponerlas sobre un fondo blanco donde realmente no se hablan ", explica Lana Hum, directora de diseño y exposición.

Fotografía y cine tempranos

Justo al lado de la galería impresionista hay una versión subversiva del tradicional teatro de caja negra con un tono berenjena profundo y cargado de emociones: Farrow & Ball's Pelt. "Si Elephant's Breath estaba rompiendo la caja blanca, aquí estamos rompiendo la caja negra", dice Suzuki. Nuevamente, en lugar de la opción predeterminada, la pintura funciona como arte en sí misma, mejorando y combinando las exposiciones. Específicamente, resalta los tonos sepia de una película de 1906, así como los de las técnicas mixtas circundantes y las piezas fotográficas que también estaban evolucionando en ese momento. Tanto visual como temáticamente, Pelt refleja los rápidos avances tecnológicos que se desarrollan junto con las pinturas impresionistas; ahora se comunican entre sí de manera coherente. "Queríamos disolver la idea de que la película solo se puede ver en una caja negra", repite Hum, y agrega que "las nuevas luminarias LED son mucho más sofisticadas con una gama mucho más amplia de niveles de luz y propagar."

Alrededor de Les Demoiselles d'Avignon

En esta galería, artistas de diferentes orígenes y medios están conversando, una vez más contra Elephant Breath. Los ojos de los visitantes se sentirán atraídos instantáneamente por la obra maestra cubista de Pablo Picasso Les Demoiselles d’Avignon, que establece el tono para las otras obras pioneras en exhibición, de Faith Ringgold's Disturbio racial a las esculturas de Louise Bourgeois. Cada uno de ellos refleja las diversas innovaciones formales y temáticas de Les Demoiselles d’Avignon. Y, dato curioso: Ringgold solía sumergirse en el MoMa con Picasso, hablando de su influencia directa en su propio trabajo.

Libros y grabados de artista en Rusia

En todo el museo, los colores de la pintura también funcionan como interrupciones en todo el espacio (donde interludios y vestíbulos están pintados en piedra desnatada) para evitar que una visita se sienta como una marcha interminable a través de un laberinto de deslumbrantes galerías. Esta sala, por ejemplo, es una inmersión profunda más pequeña e íntima en los libros y grabados caseros de los artistas de la vanguardia rusa durante y después de la Primera Guerra Mundial. Optaron por Serge, un azul profundo y profundo para establecer un ambiente parecido a un rincón.

Florine Stettheimer y compañía

Mientras realizaban una lluvia de ideas sobre los planes para esta sala más caprichosa, exuberante y decorativa donde cuelga el trabajo de Florine Stettheimer, los curadores se sentaron en una gran sala para intercambiar ideas sobre el estado de ánimo. Un diseñador describió el color deseado "como si el azul pudiera ruborizarse". ¿Su selección? Cabbage White de Farrow & Ball, un blanco con un tinte —o rubor— de azul verdoso.

Los nenúfares de Claude Monet

Los curadores sabían que este espacio debía sentirse inmersivo y circundante, pero todos los colores con los que experimentaron se sentían demasiado opacos. Es decir, hasta que encontraron a Wevet, que está radiante, casi luminoso. "Wevet casi no es un color. Parece invocar la luz. De hecho, captura la luz y es la mejor expresión de la luz moteada por el sol en Giverny ", explica Hum. Como todas las pinturas de Farrow & Ball, la naturaleza del color parece ajustarse y transformarse para complementar su entorno. Las tablas del piso también son más anchas en esta sala para orquestar el movimiento en todo el espacio y hacer cola al visitante para saber que está en un lugar especial, "como si estuvieras teniendo un momento íntimo con un viejo amigo, pero también te sientes lo suficientemente abierto y tienes movimiento", señala Suzuki.

Una historia del arte surrealista

La galería de surrealismo recuerda a un laberinto, con exhibiciones sorpresa escondidas en las esquinas y diferentes medios intensificándose entre sí. Lejos de ser accidental, esta estructura refleja los conceptos e ideas que se están discutiendo en el surrealismo. Invita al descubrimiento y alienta al mecenas a abrazar la sensación de estar un poco "fuera de lugar", casi como si heredaran la inquietud de la irrealidad expresada en la obra de arte. Sulking Room Pink de Farrow & Ball (de la última colección de la marca) es el telón de fondo perfecto y se envalentona aún más con la iluminación cambiante.

Respondiendo a la guerra

Y aquí estamos, terminando nuestro recorrido virtual por el quinto piso del MoMA con una nota sombría con la galería de temática bélica. Caminar por las galerías en el quinto piso está destinado a concertar la construcción de un crescendo, y llegar a su clímax aquí. La sala alberga una mezcla de obras alegóricas y algunas que se sienten más viscerales, como esculturas. Los equipos de diseño y curatorial inicialmente usaron otro color, pero sintieron que no estaba bien, por lo que lo repintaron en el último minuto con Mole's Breath. Este tono de marrón grisáceo es innegablemente hosco, lo que le da peso a la habitación. Evocando la agresividad y la violencia humeantes del campo de batalla, replica efectivamente la gravedad de la guerra representada en el obras de arte, desde piezas de José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros hasta la respuesta de Picasso al horror de la Segunda Guerra Mundial en El osario.

¿Te sientes inspirado para pintar tus paredes en algo que no sea un tono clásico de blanco?

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