Por que precisamos descolonizar o design

Quando Malene Barnett foi para a escola de design, ela esperava explorar a história do design e as influências de todo o mundo. Mas rapidamente ficou claro que a única coisa no currículo era o design eurocêntrico.

“Meu trabalho girava em torno da experiência Black e eu não iria me conformar com o que era oferecido”, diz Barnett. Então ela decidiu se concentrar em símbolos, tecidos, técnicas e artesãos da África, o continente onde toda a vida começou.

O colorblocking Ndebele da África do Sul inspirou seu projeto de papelaria. Ela ganhou um prêmio de design de carpete por seu tapete que retratava um conto popular africano. Para seu padrão de louça, seu "cliente" era a família real Ashanti de Gana. Alguns professores entenderam, outros não, mas ela persistiu. “Fui muito claro sobre minha voz e visão e estava confiante”, diz Barnett. Ela se formou com honras e ganhou a medalha do departamento.

Agora, como um ceramista aclamado, pintor e artista têxtil, Barnett quer ajudar outros designers a "descolonizar" seu pensamento de design para incluir pessoas, processos de design, materiais e metodologia de todo o mundo. Aqui está o que ela sugere.

Livre-se de rótulos

Palavras são apenas palavras, mas moldam a forma como pensamos e o que valorizamos. “Por que a única vez que você pensa sobre o trabalho de negros e pardos, eles são colocados Bohenmian-tribal-étnico? ” Barnett pergunta. O mesmo vale para "primitivo", um termo degradante raramente aplicado ao trabalho de brancos. “Essas palavras por si só não são palavrões, mas os brancos criaram essa divisão entre o que é alto e baixo e o que você deve aspirar”, diz ela. "Eles assumiram a autoridade de decidir o que entra ou sai ao falar sobre o trabalho de pessoas negras e pardas."

Abolir categorias de design

Freqüentemente, classificamos a decoração como tendo uma estética moderna ou tradicional. Os Eameses e Eero Saarinen são ícones do modernismo de meados do século. Mas você sabia que pode encontrar design modernista no México - basta olhar para o Museu Nacional de Antropologia do arquiteto Pedro Ramírez Vázquez. Ou considere o arquiteto britânico-ganês David Adjaye, mais conhecido pelo Museu Nacional de História e Cultura Afro-americana. E o “tradicional” evoca sofás Chesterfield, poltronas e outros ornamentos europeus dos séculos 18 e 19? As mesas Lacy Bamileke, esculpidas em um único tronco de árvore, têm sido escolhas tradicionais para os governantes camaroneses há séculos - o que poderia ser mais "clássico" do que isso? Liberar-se das categorias convencionais permite mais criatividade.

Amplie suas referências

É natural definir o design em termos de artistas que conhecemos, como Picasso, Monet ou Van Gogh. Barnett incentiva os designers a se informarem sobre os artistas de fora da Europa também. Vá mais fundo com Henry Ossawa Tanner, o primeiro pintor negro americano aclamado que se especializou em arte religiosa e cenas da vida diária; Romare Bearden, cujo trabalho abrange o expressionismo abstrato e o cubismo; Elizabeth Catlett, um escultor e artista gráfico da época do Renascimento do Harlem.

Viaje para algum lugar novo

Fazer viagens para ver onde os móveis ou tecidos são criados é uma parte vital do aprendizado sobre design e da criação de interiores com significado. Mas quando você pega seu passaporte, para onde você vai? É divertido voar para Paris ou Toscana, mas muitos designers não estão tão interessados ​​em ir para Dakar, Kingston, Jamaica ou Guiana. “Isso é uma perda, principalmente porque eles não estão entendendo as pessoas, a cultura e o estilo de vida”, diz Barnett. E embora seja bom apreciar o que você vê no exterior, não volte e “interprete” esses designs em seu próprio trabalho (em vez disso, esforçar-se para apoiar diretamente as pessoas que estão criando esse trabalho).

Aprenda como as coisas são feitas

Muitas pessoas acreditam que os têxteis feitos na Itália são superiores aos da Índia ou de Gana, mas isso muda quando você se aprofunda em como as coisas são feitas. “Quando se trata de interiores, nossa cultura é usada como um sotaque, mas os designers não sabem nada sobre o Bambara”, diz ela. Verdadeiros têxteis africanos, de lama a kente a Pano kuba, são criados por meio de processos de tecelagem meticulosos. Para o lamaçal, os homens bambara do Mali tecem tiras de tecido, costuram as tiras e tingem-nas com lama fermentada. Geralmente é preto e branco, mas eles também fazem uma linda versão índigo. “Você não pode separar a cultura das pessoas”, diz Barnett. “Precisamos voltar a entender a cultura, as pessoas e seus criadores. Isso faz parte da descolonização desse processo de design. Depois de fazer essas cinco coisas, você terá uma nova tela e seu processo criativo irá evoluir constantemente. "

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Maria C. Hunt é uma jornalista que mora em Oakland, onde escreve sobre design, comida, vinho e bem-estar. Siga ela no instagram @thebubblygirl.

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