Ce sont toutes les couleurs de peinture Farrow & Ball dans le nouveau MoMA

Les visiteurs du Museum of Modern Art de New York, récemment rénové, pourraient être surpris de ne pas rencontrer une série de galeries aux murs blancs présentant des œuvres d'art regroupées par période et par style. En fait, le musée a commencé sa récente rénovation par une conversation sur la façon de perturber les modes de représentation traditionnels. « Ce n'est pas parce que les choses sont d'une certaine manière depuis longtemps que c'est la seule façon, ni même la meilleure, de les faire » Sarah Suzuki, le conservateur des dessins et des estampes du MoMA dit de la nouvelle mise en page de l'exposition. En travaillant ensemble, les conservateurs et l'équipe de conception du musée ont tenté de défier les modes didactiques de catégorisation (c. chronologies et divisions média par média) et, à la place, de permettre à des idées abstraites de façonner les récits de chaque Galerie. Une grande façon qu'ils ont fait? Peindre. Et non, nous ne voulons pas dire sur des toiles.

Parce que Couleur joue un rôle si central dans notre expérience visuelle - en particulier dans le contexte de l'art - le Peinture les sélections de couleurs sont devenues l'élément vital de la rénovation, façonnant les galeries innovantes dans tout le musée. Lors d'une visite privée des nouvelles galeries, Maison Belle appris comment l'équipe créative du musée a utilisé les couleurs de peinture Farrow & Ball pour révolutionner la façon dont nous voyons, ressentons et interagissons avec les artistes les plus influents et les plus poignants du monde de l'art.

Innovateurs du XIXe siècle

Il est tout de suite clair que vous ne trouverez pas de boîte galerie blanche classique ici. Alors que le cinquième étage s'ouvre sur la galerie impressionniste, vous remarquerez plutôt une couleur de peinture gris clair: Elephant's Breath. Les concepteurs et les conservateurs nous disent qu'ils ont choisi cette toile de fond parce qu'elle se démarque et se porte garante même derrière un chef-d'œuvre comme celui de Vincent van Gough. Nuit étoilée tout en étant assez doux avec les travaux plus doux et plus domestiques de Marie Cassatt. "Le souffle des éléphants aide à mettre en valeur les œuvres au lieu de simplement les mettre sur un fond blanc où ils ne se parlent pas vraiment », explique Lana Hum, directrice du design et exposition.

Début de la photographie et du cinéma

Juste à côté de la galerie impressionniste se trouve une interprétation subversive du théâtre traditionnel de la boîte noire avec une nuance d'aubergine profonde et chargée d'émotion: Farrow & Ball's Pelt. "Si Elephant's Breath décomposait la boîte blanche, nous décomposons ici la boîte noire", explique Suzuki. Encore une fois, au lieu du choix par défaut, la peinture fonctionne comme un art lui-même, améliorant et épousant les expositions. Plus précisément, il fait ressortir les tons sépia d'un film de 1906 ainsi que ceux des médias mixtes et des pièces photographiques environnants qui évoluaient également à l'époque. À la fois visuellement et thématiquement, Pelt reflète les développements rapides de la technologie qui se déroulent aux côtés des peintures impressionnistes - maintenant, elles se parlent de manière cohérente. "Nous voulions dissoudre l'idée que le film ne peut être vu que dans une boîte noire", fait écho Hum, ajoutant que « les nouveaux luminaires à LED sont beaucoup plus sophistiqués avec une gamme de niveaux d'éclairage beaucoup plus étendue et diffuser."

Autour des Demoiselles d'Avignon

Dans cette galerie, des artistes d'horizons et de médias différents sont en conversation, une fois de plus contre Elephant Breath. Les yeux des visiteurs seront instantanément attirés par le magnum opus cubiste de Pablo Picasso Les Demoiselles d'Avignon, qui donne le ton aux autres œuvres révolutionnaires exposées, de Faith Ringgold Émeute raciale aux sculptures de Louise Bourgeois. Ils reflètent chacun les différentes innovations formelles et thématiques des Demoiselles d'Avignon. Et, fait amusant: Ringgold avait l'habitude de s'immerger au MoMa avec Picasso, parlant de son influence directe sur son propre travail.

Livres et estampes d'artiste en Russie

Dans tout le musée, les couleurs de la peinture fonctionnent également comme des interruptions dans tout l'espace (où les intermèdes et les vestibules sont peints en pierre écrémé) pour éviter qu'une visite ne ressemble à une marche sans fin à travers un labyrinthe de blanc éclatant galeries. Cette salle, par exemple, est une petite plongée plus intime dans les livres et estampes faits maison d'artistes russes d'avant-garde pendant et après la Première Guerre mondiale. Ils ont opté pour Serge, un bleu profond et profond pour créer un environnement aux allures de recoin.

Florine Stettheimer et compagnie

Pendant qu'ils réfléchissaient aux plans de cette pièce plus fantaisiste, luxuriante et décorative où sont accrochés les travaux de Florine Stettheimer, les conservateurs se sont assis dans une grande pièce pour échanger des idées sur l'humeur. Un designer a décrit la couleur désirée "comme si le bleu pouvait rougir". Leur sélection? Farrow & Ball's Cabbage White, un blanc avec une teinte - ou blush - de bleu verdâtre.

Les Nymphéas de Claude Monet

Les conservateurs savaient que cet espace devait être immersif et ambiant, mais chaque couleur qu'ils expérimentaient était trop opaque. C'est-à-dire jusqu'à ce qu'ils trouvent Wevet, qui est radieux, presque lumineux. "Wevet n'est presque pas une couleur. Il semble invoquer la lumière. Il capte réellement la lumière et est la meilleure expression de la lumière tachetée de soleil à Giverny », explique Hum. Comme toutes les peintures Farrow & Ball, la nature de la couleur semble s'ajuster et se transformer pour compléter son environnement. Les lames de plancher sont également plus larges dans cette pièce pour orchestrer le mouvement dans tout l'espace et faire la queue pour que le visiteur sache qu'il est dans un endroit spécial, "comme si vous passiez un moment intime avec un vieil ami, mais aussi que vous vous sentiez suffisamment ouvert et que vous bougez", note Suzuki.

Une histoire de l'art surréaliste

La galerie du surréalisme rappelle un labyrinthe, avec des écrans surprises nichés dans des coins et différents médiums s'intensifient les uns les autres. Loin d'être accidentelle, cette structure reflète les concepts et les idées qui se disputent dans le surréalisme. Il invite à la découverte et encourage le mécène à embrasser le sentiment d'être un peu « off », presque comme s'il héritait du malaise de l'irréalité exprimé dans l'œuvre d'art. Sulking Room Pink de Farrow & Ball (de la dernière collection de la marque) constitue la toile de fond parfaite et est encore renforcée par l'éclairage de mauvaise humeur.

Répondre à la guerre

Et voilà, nous terminons notre visite virtuelle du cinquième étage du MoMA sur une note sombre avec la galerie sur le thème de la guerre. Se promener dans les galeries du cinquième étage est destiné à concerter l'accumulation d'un crescendo, et il atteint son paroxysme ici. La salle abrite un mélange d'œuvres allégoriques et d'autres plus viscérales, comme des sculptures. Les équipes de conception et de conservation ont d'abord utilisé une autre couleur, mais ont estimé que ce n'était pas correct, alors elles l'ont repeinte à la dernière minute avec Mole's Breath. Cette nuance de gris-brun est indéniablement maussade, apportant un poids à la pièce. Évoquant l'agressivité et la violence fumeuses du champ de bataille, il reproduit efficacement la gravité de la guerre représentée dans le œuvres d'art, des pièces de José Clemente Orozco et David Alfaro Siqueiros à la réponse de Picasso à l'horreur de la Seconde Guerre mondiale en Le Charnier.

Vous vous sentez inspiré pour peindre vos murs autre chose qu'une nuance de blanc classique?

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